Marcos Câmara de Castro

Ana Carla Vannucchi: Cor-ambulante no SESI/RP

2012-02-04T12:01:00.000-02:00

Pessoas queridas,

depois de mais de dois anos com a exposição Cor-ambulante rodando pelo estado de SP, tenho o prazer de convidar a todos para visitá-la no Sesi de Ribeirão Preto.

A exposição foi selecionada em meio a mais de 800 inscrições ainda em 2008/2009 e ficou em primeiro lugar. Bom, porque era um edital aberto, sem “Qis”, limpo.

São 16 fotografias e muitas delas feitas depois que nos mudamos para cá .....

O SESI fica na Rua José Rodrigues Godinho nº 100, Lagoinha. Terça / Domingo , das 9 às 17h. Dia 3 ao dia 15 de fevereiro.

Beijos,

Carla

Abertura do 19º Siicusp. Orquestra Universitária

2011-12-09T11:47:00.003-02:00

ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA.
Departamento de Música Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de USP de Ribeirão Preto
Prof. responsável: Marcos Câmara de Castro

Andante para flauta e cordas de Mozart
Solista: Paulo Victor Farias
Regência: Denner Kennup

I movimento do concerto em mi bemol para trompete, de Haydn
Solista: Jairo Cassiano
Regência: Naber Mesquita

Agradecimentos: Maryia Krastanova (valeu, Mary!)

Música erudita e indústria cultural (teoria e prática): o dilema dos departamentos de música das universidades brasileiras

2011-09-03T16:44:00.003-03:00

Comunicação feita no XXI Congresso da ANPPOM, Uberlândia (MG)/2011. Clique aqui

I Encontro Internacional de Música Coral

2011-08-04T17:05:00.003-03:00

Caros colegas, amigos e alunos,

Em meu nome e do Prof. Miguel Felipe, queria agradecer de todo o coração a todos os que colaboraram para o sucesso do I Encontro Internacional de Música Coral, na USP de Ribeirão Preto.

Desde o coffee break até as aulas, palestras e concertos, o que predominou foi o mais puro espírito de solidariedade e cooperação, sem o que o evento não teria alcançado o êxito obtido.

O nosso muito obrigado e o desejo de rever a todos no próximo ano, com a segunda edição do EIMC.

Abraços cordiais de

Miguel e Marcos
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Colleagues, friends and students,

On behalf of myself and Prof. Miguel Felipe, wanted to thank wholeheartedly all those who contributed to the success of the First International Meeting on Choral Music at USP in Ribeirão Preto.

From the coffee break until classes, lectures and concerts, the pattern was the purest spirit of solidarity and cooperation, without which the event would not have achieved the success.

Our thanks and desire to see everyone next year, with the second edition of IMCM.

Warm Hugs from

Miguel and Marcos

Texto de abertura do EIMC/ Opening text of the IMCM

2011-07-17T17:02:00.000-03:00

ENCONTRO INTERNACIONAL DE MÚSICA CORAL USP/RP

Musicorum et cantorum magna est distantia:

Isti dicunt, illi sciunt quae componit musica,

Nam

qui canit quod non sapit diffinitur bestia[1].

(século XIII, citado por Chailley, 1950)

A atividade coral neste Departamento de Música é muito forte: temos o Ademus com a Profa. Cristina Emboaba, a Oficina Experimental da Voz da Profa. Silvia Berg e as aulas Regência Coral e Canto Coral. Isso é um reflexo da prática coral em Ribeirão Preto e região, onde encontramos vários grupos constituídos e longevos, além da Escola de Canto Coral da OSRP, dirigida pela Profa. Snizhana Drahan.

O canto coral é também uma prática de transferência, onde são vivenciados os mais diversos gêneros e estilos musicais. O erudito e o popular se encontram e se misturam, numa prática democrática e pedagógica. Quem canta em coral pode tornar-se permeável à diferença e ao novo.

Cantar em coral também proporciona uma compreensão mais profunda da linguagem, da retórica e da arquitetura musicais na medida em que somos parte da estrutura e ao mesmo tempo a percebemos de fora. Não somos meros ouvintes, mas sujeitos da prática musical.

Além do intelectual, o canto coral promove importantes valores humanos como solidariedade, respeito e cooperação.

O EIMC tem como principal objetivo reunir a comunidade coral numa perspectiva de enriquecimento dos conhecimentos e técnicas além de promover a confraternização e a troca de experiências entre os mais diversos grupos.

Promover a prática coral não como um instrumento de elite, mas de transformação do indivíduo e da sociedade através do canto coletivo.

Ribeirão Preto, 18 de julho de 2011,

Prof. Dr. Miguel Ángel Felipe – Diretor Artístico

University of Hawai‘i at Mānoa

Prof. Dr. Marcos Câmara de Castro – Professor Responsável pelo EIMC

Universidade de São Paulo, campus de Ribeirão Preto

INTERNATIONAL MEETING ON CHORAL MUSIC USP/RP

Musicorum et cantorum magna est distantia:

Isti dicunt, illi sciunt quae componit musica,

Nam

qui canit quod non sapit diffinitur bestia[2].

(XIII^th century, cited by Chailley, 1950)

The choral life in our Music Department is very strong: we have the Ademus Madrigal, directed by Professor Cristina Emboaba, the Experimental Voice Workshop, directed by Professor Silvia Berg, and the classes of Choral Conducting and Choral Singing. This is an indication of the choral community in Ribeirão Preto and surrounding region. Here you can also find many groups with long histories including the School of Choral Singing of the Symphony Orchestra of Ribeirão Preto, directed by Professor Snizhana Drahan.

Choral singing is a practice of transference where one may experience the most diverse genres and musical styles. Both art music and popular repertoires meet and mingle in a democratic and pedagogical way. She who sings in a choir can become permeable to that which is new or different.

Singing in choir also provides a deeper understanding of musical language, rhetoric, and architecture. For it is in making the music with our own bodies that we feel, experience, intuit, and eventually comprehend musical structure.

Beyond the intellectual, the choir promotes important human values such as solidarity, respect and cooperation.

The IMCM´s main objective is to gather the community into a chorus with a goal of enriching the knowledge and skills while promoting fellowship and exchange of experiences among the various groups.

And in so doing, we remember to promote music not as an instrument of the elite but the voice of our whole society. Only then, can singing transform us and integrate our society.

Ribeirão Preto, july 18, 2011

Dr. Miguel Ángel Felipe - Artistic Director

University of Hawai‘i at Mānoa

Dr. Marcos Câmara de Castro - Responsible Professor for the IMCM

University of São Paulo at Ribeirão Preto

[1] Grande é a distância que separa músicos e cantores; estes cantam os sons que a música ordena, aqueles conhecem esta ordem. Pois cantar aquilo que não se conhece é próprio dos animais.

[2] Great is the distance between musicians and singers: singers sing sounds organized by music, but musicians comprehend this order. Because singing what is not understood is proper only to animals.

Encontro Internacional de Música Coral

2011-06-07T19:35:00.001-03:00

Incrições de 13/6 a 13/7/2011 no Departamento de Música da USP de Ribeirão Preto ou por e-mail: musicacoral2011@gmail.com

Baixe aqui a ficha de inscrição

Informações: 16 36023136

Exposição Fotográfica de Ana Carla Vannucchi no SESI Ipiranga, São Paulo

2011-05-31T19:05:00.000-03:00

2ª APRESENTAÇÃO SEMESTRAL DA ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA, DIA 02/06/11, QUINTA, 20H, NA TULHA

2011-05-31T18:59:00.004-03:00

Prof. Responsável: Marcos Câmara de Castro

Programa:

Ernani Aguiar: Quatro Momentos, para cordas

J. S. Bach: Concerto Brandemburguês #3

Haydn: Sinfonia #99

Regências: Jamille Mesquita, Fernando Chagas, Jonas Mafra e Éber Bittencourt

ENTRADA FRANCA

===========================

Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto: ação e reflexão na prática orquestral

ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA USP-RP. Aulas: quintas, das 19h às 22h e sábados, das 9h às 12h. Local: Sala de Concertos da Tulha/USP-RP.

"reconstruir los repertorios y reconvertirlos en algo vivo"
(Castilla, 2010)

Desde 2008, a Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto vem tornando possível a alunos do mais novo departamento da FFCLRP, estudantes de música em geral e músicos amadores autogerirem a prática orquestral, participando da escolha do repertório, candidatando-se a solistas ou regentes e compondo obras sinfônicas. Aberta a todo e qualquer interessado, a OU recebe novos integrantes durante todo o ano letivo e seus monitores, bolsistas das pró-reitorias de Graduação e de Cultura e Extensão, asseguram o aperfeiçoamento e a reciclagem técnica de seus participantes, com ensaios de naipe e atendimentos individuais.

A OU tem participado ativamente da vida acadêmica, com apresentações em eventos do campus, entre eles a Semana da Composição, o Siicusp etc, sempre sob a regência de seus alunos, e contará este ano com a participação de professores solistas ou regentes.

Deu no USP Ribeirão, 16/05/2011, p.7 - FM 107,9

2011-05-18T09:03:00.001-03:00

Erudito ganha espaço na programação

Ouça aqui

A Rádio USP Ribeirão dedica sua programação musical à valorização da música popular brasileira de qualidade, mas a partir dessa segunda-feira, 16, a emissora abre espaço para o erudito com a estréia do projeto Clássicos em Pauta. Serão dois programas de três minutos, pela manhã (10h40) e à tarde (15h20), de segunda a sexta-feira. O idealizador do projeto é o professor Marcos Câmara de Castro, do Depto. de Música da Faculdade de Filosofia (FFCLRP). “A ideia de Clássicos em Pauta surgiu da escuta atenta e assídua da Rádio USP de Ribeirão Preto, com seus programas que tentam abranger as mais diversas áreas do conhecimento e da cultura”, afirma. A ideia é sensibilizar o ouvinte para a escuta do universo dos clássicos sem, no entanto, submetê-lo num primeiro momento a uma obra de grandes dimensões. “Queremos criar o interesse para determinadas músicas do repertório clássico que poderão ser ouvidas depois, em casa, num futuro blog onde poderemos carregar as versões integrais das obras mostradas, acompanhadas de explicações complementares”, explica.

O programa tem produção do Juliano de Oliveira, pós-graduando em Música pela ECA de São Paulo, e graduado pelo Depto. de Música da FFCLRP. A locução é de Ana Carla Vannucchi e a criação e apresentação de Marcos Câmara. (Ferraz Jr)

APRESENTAÇÃO DA ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA, DIA 12/05/11, QUINTA, 20H, NA TULHA

2011-05-06T12:10:00.000-03:00

Prof. Responsável: Marcos Câmara de Castro

Programa:
Ernani Aguiar: Quatro Momentos, para cordas
J. S. Bach: Concerto Brandemburguês #3
Haydn: Sinfonia #99
Regências: Jamille Mesquita, Fernando Chagas, Jonas Mafra e Éber Bittencourt
ENTRADA FRANCA
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Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto: ação e reflexão na prática orquestral
ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA USP-RP. Aulas: quintas, das 19h às 22h e sábados, das 9h às 12h. Local: Sala de Concertos da Tulha/USP-RP.

"reconstruir los repertorios y reconvertirlos en algo vivo"

(Castilla, 2010)

Desde 2008, a Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto vem tornando possível a alunos do mais novo departamento da FFCLRP, estudantes de música em geral e músicos amadores autogerirem a prática orquestral, participando da escolha do repertório, candidatando-se a solistas ou regentes e compondo obras sinfônicas. Aberta a todo e qualquer interessado, a OU recebe novos integrantes durante todo o ano letivo e seus monitores, bolsistas das pró-reitorias de Graduação e de Cultura e Extensão, asseguram o aperfeiçoamento e a reciclagem técnica de seus participantes, com ensaios de naipe e atendimentos individuais.
A OU tem participado ativamente da vida acadêmica, com apresentações em eventos do campus, entre eles a Semana da Composição, o Siicusp etc, sempre sob a regência de seus alunos, e contará este ano com a participação de professores solistas ou regentes.

I Encontro de Internacional de Educadores em Música

2011-04-30T09:05:00.004-03:00

Profa. Silvia Berg (coordenadora do evento e chefe do Departamento de Música FFCLRP/USP), entre as professoras Margarete Enevold (DKDM-Dinamarca) e Pya Boysen (Gentofle Kirke-Dinamarca)

O Cantar e a solmizacão

Margrete Enevold

As crianças amam expressar-se com a voz e o corpo simultaneamente. Cantam simplesmente pela alegria de exprimir-se com sons e histórias. O cantar envolve o ser humano integralmente, tanto física como psiquicamente. Corpo e alma cantam juntos.

Preservar a alegria de expressão, a espontaneidade e o contato com o próprio corpo pode vir a se tornar uma tarefa difícil, quando o coral inicia o trabalho de ensaio com obras a duas ou mais vozes, e o cantar a cappella. O ensaio pode se tornar exaustivo e extenuante, e pode se tornar difícil preservar a inspiração, assim como manter uma atmosfera de trabalho límpida e luminosa, descontraída e, ao mesmo tempo, concentrada.

A solmização com manosolfa é uma simples, extraordinária vocalmente, sonora e dinâmica ferramenta que envolve tanto o corpo quanta a voz. A manosolfa ativa o corpo. As mãos "cantantes" mostram o fluxo e os fraseados, descrevem as dinâmicas e formam os sons, Além disso, as sílabas são cantáveis. A solmização torna-se, dessa maneira, um universo musical tangível.

A voz tem sua morada no corpo. Cantores não possuem outro instumento entre si e o mundo que os rodeia, e dessa forma, não podem ocultar-se atrás de um instrumento, ou mesmo "pegar notas" fora de si. A manosolfa significa, sob esses aspectos, o "pegar a nota", porque as notas visualizam-se e podem ser marcadas fisicamente, enquanto as mãos formam a música. A energia física transmitida pelo movimento e, por sua vez, transmitida a execução. O regente mostra o caminho.

Vozes executadas harmônica ou contrapontisticamente são fáceis de lembrar. Os movimentos da manosolfa oferecern ao mesmo tempo associações, relações de alturas, timbre, função e harmonia. As crianças ouvem, veem, sentem e são conduzidas em todo o processo, tanto da melodia superior quanta inferior. A memorização é imediata e as crianças lembram-se de suas respectivas melodias, porque a desempenharam com todo o sistema.

A concentração infantil passa dessa forma, a ter um foco muito concreto. O aprendizado e processado de forma integral e as habilidades musicais e vocais são desenvolvidas gradualmente, pois a solmização abrange o "eu escuto", o "eu vejo" e o "eu realizo".

O regente de coral infantil pode utilizar-se dessa ferramenta em companhia das crianças. Não e necessário "saber" ou conhecer o método profundanlente. Aprenda os sinais de manosolfa e as sílabas que serão utilizadas nas diferentes canções ou obras a serem aprendidas, e deixe com que as suas habilidades cresçam gradativamente.

(Tradução do dinamarques realizada por Silvia Berg)

Eufonia a duas ou mais vozes e a Solmização

Técnica vocal, afinação e técnicas de ensaio

Margrete Enevold

Vozes sonoras e sem tensões, canções ou obras simples com duas ou mais vozes e cantar sem acompanhamento de piano são os ingredientes para que um coral infantil venha a cantar afinadamente.

Tudo o que um regente coral sinaliza musical, emocional, funcional e energeticamente, assim como sua expressão corporal e mímica é absorvido pelas crianças que correspondem aos impulsos recebidos. As crianças utilizam fantasia, corpo, olhos e ouvidos enquanto estão descobrindo e aprendendo algo novo.

Tem-se constatado que o trabalho concentrado com a afinação e com frequência urn movimento em espiral, indo do bom em direrção ao ruim. As crianças naturalmente nutrem o desejo de se tornarem sempre melhores, mas a concentração cria em geral e inadequadamente, tensões musculares no corpo e na voz, resultando em uma sonoridade angulosa e sem brilho, sendo a desafinação uma consequência dessas tensões.

A solmização e a manosolfa tern se mostrado excelentes ferramentas, tanto do ponto de vista lúidico como criativo. VIVÊNCIA é um pré-requisito para a CONSCIÊNCIA, que é pré-requisito para o EXERCÍCIO.

É de vital importância para qualquer coro vivenciar o próprio som a cappella em todos os ensaios, para que a eufonia e a afinação sejam desenvolvidas. As crianças devem sentir o prazer e a alegria proporcionados pela execução a cappella, sem o auxílio de instrumentos. Quando o coro inteiro canta a melodia superior enquanto o regente canta a melodia intermediária, e forma a voz inferior com a manosolfa, existe uma grande probabilidade de que canções a duas ou três vozes sejam vivenciadas afinadamente e com boa sonoridade.

As vozes que farão contraponto à melodia devem ser inicialmente fáceis e com carater de ostinato, para assim oferecer apoio aos cantores mais jovens ou mais inseguros e inexperientes. O aprendizado das vozes superior e inferior a melodia ocorre com facilidade, mesmo que a melodia intermediária seja nova. As crianças descobrem, dessa maneira, que aprender as três vozes de uma nova peça coral é uma tarefa fácil e prazerosa.

A consciência deve ser entendida como a experimentação do que foi vivenciado e não como urn processo necessariamente intelectual. o corpo cria imagens e as recorda com o auxílio da manosolfa e solmização.

• o ouvido interno ganha vida e se torna ativo;

• o corpo sente a melodia e a relação entre os intervalos;

• A melodia, fraseado e dinâmica são visualizados;

• A sensação das alturas é física;

• A criança consegue VER a que grupo vocal pertence;

• o regente consegue VER o que cada grupo canta.

A solmização aqui adotada é relativa: isto significa que, se a tônica na escala maior sempre sera chamada de Dó, e na escala menor, Lá, as transposições dessa forma, ocorrem sem problemas. Cada altura da escala recebe o seu nome, o que favorece a memória das alturas, a precisão vocal e a percepção tonal.

• A manosolfa para as crianças é a "linguagem secreta" em comum.

• A expressão manifestada fisicamente é cheia de energia, e a energia dessa maneira, é transportada para o canto.

• A manosolfa ajuda a manter a postura correta para o canto e mantém a caixa de ressonância aberta. A solmização fornece sílabas adequadas ao canto.

• A manosolfa é uma linguagem de sinais visualmente bonita.

• Caso a afinação caia, "levante" a mão que entoa a manossolfa.

• A manosolfa mantem a afinação segura.

• É proibido cantar sem a manossolfa.

• Deixe que a criança reja um dos grupos com a manossolfa.

• As dissonâncias são maravilhosas. Deixe que as crianças tenham prazer em cantá-las.

• Mostre as vozes superior e inferior com a manossolfa, mas sem cantá-las.

• Deixe que os braços sirvarn de alavancas para o som.

• Use do artifício: "minha mão" e "mãos de vocês" durante os ensaios.

• Melodias harmonizáveis com T (Tônica) e D (Dominante) podem facilmente transformar-se em peçaas corais a 3 vozes a capela, com as notas Mi e Sol na voz superior, e Do e Sol na inferior.

• Melodias harmonizáveis com T (Tônica), S (Subdominante) e D (Dominante) podem facilmente transfonnar-se em peças corais a 3 vozes a cappella, com as notas Mi La Sol na voz superior, e Do Fa Sol na inferior.

• As mãos conduzem e sustentam o som.

• Caso haja acompanhamento de piano este deve acompanhar somente e não dobrar a voz. A Voz deve estar no centro.

• Um coro não é bom porque canta músicas difíceis.

• Cantar, emitir sons desperta os sentidos.

• Nuances e dinâmicas sempre expressivas.

• A solmização é uma prancha que desliza pela correnteza.

• As crianças "veem" e sentem a sonoridade e o fraseado quando o regente as demonstra.

CANTAR EM ECO

As crianças escutam, antes de poderem cantar. Elas devem ouvir a canção, melodia, texto, expressão, fraseado e dinâmicas como um todo e imitá-los. Crianças pequenas aprendem e apreendem o TODO, por isso não se deve ensaiar cada elemento separadamente. Posteriormente deve-se concentrar em detalhes, antes de voltar-se ao todo novamente. A sequência do ensaio deve ser:

TODO -DETALHES -TODO

As crianças lembram daquilo que elas aprendem primeiro, por isso TODOS os elementos devem estar presentes desde o início e tudo deve ser aprendido em uma atmosfera lúdica de leveza e facilidade. O regente canta uma frase e as crianças o imitam. Nenhuma criança deve cantar junto com o regente.

ESCUTAR-CANTAR

"Escuta-se com os ouvidos e nao com a voz."

• o regente aponta para si mesmo ao cantar, e aponta convidativamente ao coral, quando as crianças devem cantar -deve-se trabalhar sem interupções e sem explicações.

• o regente repete as diferentes partes da canção ou voz a ser aprendida de acordo com as necessidades, até que as crianças a tenham aprendido.

• Cante períodos cujas frases sempre respeitem musicalmente e textualmente a estrutura da peça, ainda que crianças pequenas captem melhor as frases de menor duração.

• Utilize a manossolfa ou mostre as alturas relativas com as mãos, enquanto as crianças imitam a melodia cantada. As crianças aprendem a melodia mais rapidamente e melhor quando elas ouvem e "veem" a melodia. Para algumas crianças, imitar os gestos funciona também como urn suporte do aprendizado.

• Visualize os textos: os pássaros voam, o sol brilha, a neve cai...

EXERCÍCIO FALADO

Os exercícios falados são muito recomendáveis nos ensaios, assim como leitura de notas realizadas de maneira abrangente e lúdica. Todos aprendem um pouco com isso — tanto os iniciantes como as crianças que já sabem ler um pouco ou bastante. Os exercícios falados são, ao mesmo tempo, uma excelente e concentrada maneira de variar o percurso de um ensaio.

• Escreva a melodia na lousa com as alturas sem o texto.

• Cante-a para e com as crianças enquanto você aponta para as notas na medida em que sao cantadas.

• Cante a melodia sem apontar para as notas. Pare ao acaso e deixe que as crianças ou alguma criança aponte a nota em que você parou. Comece do início todas as vezes. Todos os olhares devem estar direcionados à lousa.

• Somente o regente canta — a escuta se dá através dos ouvidos e não da voz.

• Deve-se cantar sempre com expressão, dinâmica e fraseado.

• As erian~as aprendem gradativamente a ler as partituras.

• As crianças ouvem a melodia muitas vezes, antes que elas comecem a cantar (OUVIR -CANTAR).

A AUDIÇÃO DA FORMA

As crianças ouvem antes de cantar; ouvem a canção, a melodia, o texto, a expressão, o fraseado e a dinâmica como uma UNIDADE.

O regente canta um dos versos enquanto as crianças "desenham no ar, em linhas horizontais, em uma lousa com um giz invisível". As crianças devem ouvir e desenhar. O regente deve ser como um espelho, enquanto as crianças desenham da esquerda para a direita. A melodia pode ser repetida inúmeras vezes, de modo que as crianças conheçam a canção a ser aprendida antes de cantá-la. As peças devem ser escolhidas de acordo com a idade das crianças — faça desta uma atividade lúdica, sem teorizá-la demais...

As linhas invisíveis podem ser desenhadas de modo que sustentem e conduzam a respiração e fraseados. As crianças respiram a cada "troca de linha". o fraseado conseguido dessa maneira e sustentado, legato quando as linhas são desenhadas vagarosamente, e com energia.

• Desenhe comigo!

• Quantas linhas há nesta canção?

• As linhas são iguais, diferentes, similares? (A, A-A, B-A, A')

• Se as linhas forem similares, quais as que se parecem mais? No início, no meio ou no final?

• Inicie uma conversação sobre as diferenças: as alturas sobem, descem, quanta sobem? Descem? Quando sobem? Quando descem?

• Todas as respostas devem ser usadas. Se não estiverem certas, cante novamente e deixe com que as crianças achem uma resposta onde "todos estejam de acordo".

• A ordem das linhas é indiferente.

• Cante a 1ª linha piano, 2ª linha forte, 3ª linha piano, 4ª linha forte (ou, ao contrário).

• Cante a 1ª linha, 2ª linha "muda", cante a 3ª linha, cante a 4ª linha "muda" (ou inverta a ordem).

• Cantar a linha "muda" pode ser variada enormemente e sem explanações verbais, usando somente a linguagem e expressão corporal.

• A dinâmica pode ser improvisada com o auxílio da linguagem e expressão corporal do regente.

Obs: nem todas as canções e peças são compatíveis com esta forma de audição.

(Tradução do dinamarquês realizada por Silvia Berg)

Exercícios para o regente de coral infantil

Margrete Enevold

Preparação de obras a 3 vozes com melodias na voz intermediária (2ª Voz), com voz superior e inferior com manosolfa.

1. Aprenda a canção — isto quer dizer, melodia e texto completo, com todos os versos. Deixe que o texto se torne envolvente e interessante, antes de mais nada, para você mesmo. Deixe que associações diversas venham à tona, e que expressão, fraseado e dinâmica tomem forma na medida em que você aprende texto e melodia. A música e o texto servirão de base e inspiração para que você interiorize e desenvolva a melhor maneira de como ensiná-la

2. Cante a voz superior fraseando com a manossolfa. Aprenda-a de cor o mais rapidamente possível. Use a sua imaginação e mantenha-se concentrado (a) no seu próprio processo de aprendizagem, aceitando todas as associações que, porventura, surjam no processo. Tudo o que for difícil para você, provavelmente também o sera para as crianças. Todas as experiências do seu próprio processo de aprendizado podem ser utilizadas durante os ensaios.

3. Cante a melodia com o texto, enquanto você mostra a voz superior fraseando com a manossolfa. Pratique os "trechos difíceis" com concentração, precisão e desenvoltura. Realize estes exercícios na frente do espelho, de modo que você também obtenha impulsos visuais. Realize os exercícios com ambas as mãos, e "brinque" com a voz e com o corpo.

4. Aprenda a voz inferior como descrita no ponto 2.

5. Cante a melodia com o texto, enquanto você mostra com o manossolfa a melodia inferior, como descrito no ponto 3.

6. Solfeje a melodia superior com o manosolfa, enquanto você mostra a melodia inferior, e pensa na melodia intermediária. Pratique como se estivesse tocando urn instrumento. Se for difícil, volte aos pontos 3-5.

7. Solfeje a melodia inferior com o manossolfa, enquanto você mostra a melodia superior, e pensa na melodia inrermediária. Estabeleça variações e prove-as. Se for dificil, volte aos pontos 3-5.

8. Cante a melodia enquanto você, alternadamente, a cada verso, mostra a melodia superior e inferior com fraseado. Pratique simultaneamente e o tempo todo com ambas as mãos. Se for difícil, volte aos pontos 6-7.

9. Mostre ambas as melodias, a superior e a inferior, uma com cada mão. Troque de mão.

10. Mostre ambas as melodias, a superior e a inferior, com fraseado, enquanto você canta a melodia intermediária. Troque de mão.

11. Repita o exercício na frente do espelho. Você canta e rege o texto com autoridade? O fraseado é musical? Troque as vozes e pratique todas as possibilidades.

Bom divertimento!

(Tradução do dinamarques realizada por Silvia Berg)

Rencontre temp’ ó ra 1 e r et 2 mars 2011, quelques réflexions

2011-03-12T21:59:00.000-03:00

Rencontre temp’ ó ra 1 e r et 2 mars 2011, quelques réflexions

par François Rossé

La rencontre a été très positive entre compositeurs, musiciens interprètes, directeurs de production musicale de différents pays. Les questions abordées permettaient de faire un bon tour d’horizon des questions concernant la création, les débats étaient bien animés et les échanges établis avec une bonne franchise et néanmoins réelle convivialité.

Sur le plan des contenus, plusieurs points étaient abordés. On a pu retenir que, d’une
manière générale, les rapports avec les administrations culturelles impliquées dans le domaine de la création (Sacem, Gema, CDMC, éditions...etc) semblent être en grand décalage par rapport aux besoins de la création. On a même pu considérer que leurs axiomes avaient plutôt pour effet de freiner, que d’encourager la création active. Le fait de faire payer les droits par les entrepreneurs de concerts classiques impliquant des compositeurs non vivants pour les réinjecter auprès des vivants m’est apparu comme une évidence d’ordre moral en terme d’un minimum de solidarité entre les interprètes et les compositeurs plutôt que de faire payer les musiciens qui s’engagent avec foi, courage et risque artistique dans le patrimoine vivant. L’aspect de la diffusion, de l’élargissement des publics était aussi largement parcouru. J’avais soumis l’idée, que la notion de « musique contemporaine » soit réactualisée par rapport à l’image donnée durant le siècle précédent à partir d’une conscience de notre environnement actuel sur tous les plans mettant l’acte artistique dans sa dimension poétique en rapport de conscience avec les donnes politiques, sociales, et économiques très mouvantes actuellement. Il semble qu’on pouvait tout de même exiger d’un créateur d’être en liaison avec le « contemporain » de son environnement quelle que soit la réponse qu’il donnera par rapport à cela. Sur ce plan, il m’a semblé déceler parfois clairement un réel décalage assez significatif au niveau des attitudes qui avaient du mal parfois à se hisser au-delà de l’image de la musique contemporaine du siècle précédent sans en récupérer l’énergie des dinosaures de cette époque jurassique du siècle passé. Bien entendu les questions soulevées actuellement semblent reposer tout de même sur un élargissement conceptuel de la fonction d’un créateur, notamment élargissement de l’action de création à divers sites sociaux et géographiques. Si de telles considérations ne sont pas abordées, on risque rapidement la fixation sur une sorte d’esthétisme contemporain occidental hors des mouvements les plus dynamiques actuels. Le concert du soir pouvait en témoigner quelque peu notamment en première partie. Il est tout de même intéressant de noter que nous sommes à la même distance temporelle de Schoenberg que Schoenberg de Haydn !!!
Si le XXe siècle a pu saisir une bonne part de sa dynamique dans l’engagement vers de nouveaux espaces acoustiques et les prises de conscience d’autres cultures, les dernières décennies semblent quelque peu stagnantes et je crois volontiers que l’on ne dynamisera les choses que dans la remise en question des axiomes fondamentaux qui semblent définir la notion de « musique contemporaine ».
Hisser celle-ci au-delà des esthétismes pour s’intéresser plutôt aux choix d’attitudes dans l’homme maniant le son face au monde d’aujourd’hui. Cela exige certainement beaucoup de courage pour le compositeur d’aujourd’hui habitué à un certain fonctionnement de la « contemporaine » quelque peu trop stabilisé, même dans la misère au niveau de sa reconnaissance. L’interrogation est fondamentale à la mesure des bouleversements actuels sur les autres plans dans les rapports sociaux, c’est inévitable je crois. L’humain se distingue de l’animal essentiellement par le développement d’un contrat social fort et différencié. L’importance de la transmission, en corollaire à la suggestion précédente a été particulièrement soulignée d’autant plus qu’elle subit, en France, une totale condescendance de la part des administrations culturelles officielles aux comportements plutôt versaillais (commandes réduites pour ce qui est stupidement nommé « pièces pédagogiques », impossibilité d’accès au CDMC, difficulté d’édition, de reprises...). Les modes d’action musicale en tant qu’outil de création semblent devoir intégrer aussi la pratique orale et improvisée en bonne complémentarité avec l’écriture, à la fois à l’instar de notre propre tradition occidentale historique et en liaison avec l’importante dynamique liée aux confrontations culturelles imparables aujourd’hui (hormis les claustrophyles centralisés). Il y a 70 ans, cette ouverture visait ssentiellement le développement du traitement de l’espace acoustique par les moyens électroacoustiques puis informatiques, à présent ceci étant reconnu et largement intégré, cette ouverture s’adresse plutôt aux différents fonctionnements du musicien, notamment l’oralité, en intelligence avec la vie artistique et musicale en particulier, d’aujourd’hui. La notion de « recherche musicale » reste bien trop confinée exclusivement aux développements technologiques de recherche acoustique minimisant la recherche nécessaire pour concevoir une partition ou tout autre medium apte à s’adapter fonctionnellement aux divers sites de notre planète, à régler les hétérogénéités culturelles mises en rapport de manière oeuvrée...(1)

Une dichotomie était néanmoins clairement apparue entre le souci exprimé longuement,
durant les débats, d’encourager la présence d’un public plus large et la proposition du concert donné dans la soirée, en liaison (normalement) avec cette rencontre. Nous étions tout de même dans une situation « très classique » du concert de musique contemporaine et donc pas vraiment dans une formulation réellement inventive, mais pourquoi pas ( ?), tout en regrettant quelque peu que les dynamiques les plus actuelles n’aient pas eu un instant de présence en l’occurrence l’oralité (2) dont la concurrence certes, pourrait parfois inquiéter des écritures insuffisamment engagées, la réciproque étant vraie aussi. Tant qu’on en restera aux cases culturelles passées et dépassées « musiques contemporaines », « musiques improvisées », « musiques du monde » etc., et que l’on ne concevra pas pleinement la notion « d’attitude contemporaine » indépendamment des outils que sont l’écriture, les moyens informatiques et les différentes formes de l’oralité, les choses risquent de se dessécher de manière accélérée car il y a erreur dans l’axiome de base. C’est probablement au créateur d’engager ce challenge pas forcément simple mais essentiel.
Si le créateur est conduit à puiser dans ses ressources internes au moment de l’élaboration d’une oeuvre, et donc dans un important retour sur lui-même, une attitude trop exclusivement introvertie relève souvent d’une certaine surdité par rapport à son environnement et ne semble surtout à terme guère fertile. Les énergies se revalorisent dans les échanges et mutations et non dans la stagnation. Le créateur peut certes revendiquer le droit à cette introversion, restons républicains, mais dès lors il s’écarte du souci de réelle communication et ne devra donc pas s’étonner de n’être guère en rapport de sympathie avec les autres humains qui ne se sentent pas forcément concernés par ses questions restées internées dans sa préoccupation repliée sur elle-même. C’est probablement un travail de funambule que d’être à la fois puissamment soi-même et ouvert en générosité artistique vers les autres, et ceci sans démagogie ni consensus. Ceci relève donc plutôt d’une certaine forme d’éthique. L’homme reste-t-il néanmoins plus important que sa musique ? le contemporain d’aujourd’hui ? la fonction artistique ? l’homme ? Une ouverture en réflexions pour un futur débat peut-être ? Dans un monde actuel quasiment en révolution rapide, de telles questions ne m’apparaissent pas réellement déphasées... chacun y trouvera ses réponses à condition de se poser les questions quelque peu pertinentes... je ne sais si les Libyens sont en souci post-spectral, néanmoins, bien sûr, on ne peut certes exiger du compositeur d’être Libyen. Mais peut-être, notre écrivain de la musique qu’est normalement le compositeur peut-il tout de même être amené à poser ses pieds sur la glaise contemporaine de la planète d’accueil.

François Rossé

(1) La proposition réalisée en 1990 à l’Île de la Réunion devant réunir dans une même oeuvre les créoles non lecteurs, les jazzmans et les musiciens de culture occidentale exclusivement lecteurs posait puissamment la question de la conception d’une telle partition dans sa faisabilité avant de passer à la musique elle même. Si l’on ne conçoit pas cela comme étant de la recherche il faut fermer la boutique « musique contemporaine » je pense.

(2) sans développer outrancièrement la présence de l’oralité, sachant que le concert était déjà trop long, sous forme de pont assez court entre deux oeuvres occasionnellement par ex.

I ENCUENTRO INTERNACIONAL DE LA ASOCIACIÓN TEMP'ÓRA EN BURDEOS

2011-03-12T21:44:00.000-03:00

Edición marzo 2011

9 de marzo de 2011, 10:52:52 p.m.

opinión

I ENCUENTRO INTERNACIONAL DE LA ASOCIACIÓN TEMP'ÓRA EN BURDEOS

Música contemporánea, año cero

Por J. Fdez. Guerra (jorgefernandezguerra.com)

06/03/2011.- Es difícil quitarse de la cabeza algunos tópicos cuando se visita Bordeaux (Burdeos), la ciudad francesa con nombre de vino (¿o es al revés?), el lugar acogedor elegido por Goya para residir en su exilio (una recoleta plaza lo recuerda con una emotiva estatua).

Los años pasan, el vino y la estatua continúan, pero otras cosas se suceden. Y una de las cosas que acaban de suceder allí se ha producido con tanta modestia que cuesta trabajo valorar la carga de futuro que encierra. Se trata de un Encuentro entre profesionales de la “música contemporánea” (sí, seguiremos llamándola así hasta que haya consenso sobre algo mejor), que ha reunido a gente de al menos nueve países y tres continentes a la llamada de una Asociación, temp’óra, que olfatea soluciones y salidas por la vía del retorno al diálogo. La proposición se formulaba así: “Este Encuentro tiene por objeto marcar un punto sobre la situación de la música contemporánea a nivel internacional y encontrar soluciones para mejorar la situación actual, más allá de las divisiones estéticas y las hegemonías”.

La fórmula ha resultado tan eficaz que si resulta prematuro considerarla un éxito, al menos tiene todos los aspectos de una renovación integral. Uno de los compositores asistentes definió, de hecho, esta reunión como “la primera vez en treinta años en que se reunían en Francia compositores para hablar”; y no sólo compositores, desde luego; también intérpretes y gestores, veteranos y estudiantes, profesores y alumnos. Lo cierto es que esta era la fórmula: hablar y escuchar. Y, sin duda, el estado sensible de la cuestión ha facilitado que esos debates, tantas veces ausentes de los torpes afanes por hacer de la vida musical contemporánea una carrera de galgos, hayan sido francamente fructíferos y sus conclusiones de tal calibre que podrían provocar un giro en la manera, algo atrofiada, de vivir la creación musical y su difusión.

Encuentro en Bordeaux

Se dieron cita en la ciudad atlántica, entre los días 1 y 2 de marzo, los compositores Yann Bigot, Jean-Marc Chouvel, Christophe Frionnet, Didier Marc Garin, François Rossé, Mathieu Shadowsky, Philippe Laval y Franck Yeznikian (Francia); Marcos Cámara de Castro (Brasil), Carsten Henning y Wolfgang Motz (Alemania); Nicolas Tzortzis (greco-francés); Lukaz Langlotz (Suiza); y por España quien esto firma y Daniel Sprintz (hispano-argentino), que acudía también como director del Nuevo Ensemble 20/21 de Badajoz. En el capítulo de intérpretes, se contaba con Jean-Louis Bergerard, director artístico del Ensemble Les Temps Modernes, de Lyon; Marie-Laure Franc, pianista y profesora (Francia), Pedro Bittencourt, saxofonista (Brasil); Ingrid Breitenfeld, flautista (Alemania); Alfonso Lozano López, saxofonista (España); Yoshiko Tominaga, pianista (Japón) y Marie-Bernardettte Charrier, saxofonista, profesora de su instrumento en el Conservatorio de Bordeaux y directora artística del Ensemble Proxima Centauri (también participante en la sesión final). Marie-Bernardettte Charrier aportó, además, a toda su clase de jóvenes saxofonistas que vienen de todas partes del mundo al tratarse de una de las clases más prestigiosas de Francia en el ámbito del saxofón contemporáneo. Concretamente, eran ocho jóvenes, cuatro chicas españolas, y otros tantos muchachos venidos de Chile, Argentina, Australia e Italia (¡bravo por nuestras jóvenes saxofonistas!). Y por el ámbito de la gestión, Martine Sabatier, representante de Auvergne cultural Agency “Le Transfo”; Sophie Schmid, representante de la Asociación Musiques Vivantes; Agnes Timmers, directora del festival Musiques Démesurées de Clermont Ferrand (Francia). En cuanto a la Asociación temp’óra, anfitriona del encuentro, se contaba con su director Didier Marc Garin, y Conchita Sanz, secretaria.

La conclusión de los Encuentros consistía en un concierto a cargo de tres grupos diferentes: Próxima Centauri (Francia), Unitedberlin (Alemania) y Nuevo Ensemble 20/21 (España). Se programaron obras de Nicolas Tzortzis (estreno mundial), Carsten Hennig (estreno mundial), Daniel Sprintz (estreno mundial), Franck Christoph Yeznikian (estreno mundial), Bernd Asmus, Christophe Havel, Thierry Alla, Didier Marc Garin, Elena Mendoza, Thomas Meadowcroft y Samir Odeh-Tamimi. Este concierto se repetirá el 9 de abril en Berlín, el 10 de abril en Dresden y el 9 de mayo en Badajoz.

Panorama desde el puente

La música contemporánea es un sector en el que participan muchos actores con intereses diversos, los más evidentes son los artísticos, pero hay otros con intereses económicos, y otros más que precisan resultados de imagen para justificar su aportación. En general es un sector parco en resultados económicos y precisa de una conducción hábil y sutil para que instituciones y gestores públicos justifiquen su inversión de recursos. Y cuando las cosas se ponen duras, lo más sencillo es arrojar al bebé con el agua de la bañera. Y si los artistas protestan les puede caer encima un comando de renegados que les vomitan que la culpa es de ellos: no generan ganancias, no gustan a esos públicos a los que previamente, y por mezquinos medios de extorsión dialéctica, se les ha hecho comprender que no les va a gustar. Y, a la postre, molestan porque son modestos, y eso es grave como parte de un territorio cultural (la música clásica) que se quiere selecto y preferentemente adinerado.

Y dicho y hecho, se les da una patada en el trasero y todo se arregla. La operación sería perfecta, de hecho, si no fuera porque algo rechina; la jugada es, en el fondo, tan facciosa y demagógica que termina por ensuciar la hoja de servicios del ejecutor y de quien se lo tolera. Pero para ser conscientes de ello hace falta el paso del tiempo y que la crisis que le ha servido de coartada amaine. Así que el afectado se arma de valor y, de pronto, descubre que se le abre la mente: es libre y esa es la luminosa condición que hace posible cualquier ámbito de creación. Y descubre que ha sido la excusa para que otros extraigan alguna ganancia que, aunque no muy grande, puede ser sensible; ya se trate de derechos de autor o reputaciones de gestión que permitan escalar mejores posiciones; a veces incluso comisiones económicas que no hacen fortunas pero que construyen un salario profesional. Eso sí, se trata de que el vértice de la cosa, el creador, no moleste y esté dispuesto al ostracismo a la primera de cambio. Son las cosas del liberalismo adaptado a la gestión de la cultura, de la atroz confusión ideológica que llama izquierda al oportunismo y a los lobbies e industrias culturales, al mundo del espectáculo sin distinciones ni matices.

Todas estas ideas son personales, no se hablaron en Bordeaux tal cual, pero refrescaron el arsenal de conceptos de quien esto firma en contacto con un grupo valiente que ha hecho uso del debate como única arma. Eran ideas que se leían en los rostros de muchos de los asistentes al centro cultural Le Rocher de Palmer (en la localidad de Cenan, contigua a Bordeaux) cuando se me pidió un informe respecto a la desaparición del CDMC y a la situación de otras actividades de la música contemporánea en España. De hecho, tal informe fue la triste estrella de la primera de las dos jornadas y el modelo máximo de agresión al sector de la música contemporánea en un país considerado modélico hasta hace poco, el nuestro. Los franceses no se suelen asustar de que una medida así haya sido amparada por un gobierno socialista, han visto de todo; pero sí se alarman (y mucho) si perciben una falta de reacción del sector concernido. Ahí sí leen un problema muy grave. Los políticos y los gestores que se les acercan son con tanta frecuencia botarates, que una larga vida democrática les ha curado de espanto. Pero que el sector concernido se conforme sí es, para ellos, señal muy grave de que algo sucede y de que tiene una capacidad de contagio mayor de lo que se cree.

Otros ejemplos lamentables, muy consistentes, venían del campo de los derechos de autor y de ese zorro que vigila el gallinero que es el espíritu de las entidades de gestión de derechos. Mathieu Shadowsky (http://centrebombe.free.fr/gigs_dates.html), un enérgico y valeroso músico que sufre desde Toulouse la mediocridad de los poderes locales, planteó una situación cuya lucidez no tiene más consecuencia que la radical: las entidades de defensa de los derechos (de autor y de interpretación) son definitivamente el principal obstáculo al nacimiento y desarrollo de la creación musical hoy (naturalmente, Shadowsky se limitó escrupulosamente a este ámbito y no quiso entrar en temas mayores, internet, canon y otras lindezas). Su narración de los problemas vividos cuando se propuso realizar un “remix” a partir de la música de Stockhausen (con autorización expresa del autor alemán) resultó muy ilustrativa; tanto como para justificar que Shadowsky se decidiera a crear una Fundación anti SACEM (la SACEM es la titular de gestión de derechos de autor en Francia); es decir, Shadowsy precisaba autorización del autor, Stockhausen (la tenía), de su entidad de gestión de derechos, la GEMA alemana, de cualquier editorial concernida, de la partitura o discográfica, y de los intérpretes que pudieran haber grabado esas mismas obras en su versión original, bien directamente o a través de las entidades de gestión de los intérpretes, y, por supuesto, no lo tenía, no lo podía tener. En suma el diálogo entre creadores era imposible, además de indeseable.

Propuestas y análisis

Ampliamente cubierto el capítulo de desgracias (con algún añadido más), el Encuentro se centró pronto en el análisis de soluciones.

Cualquier espectáculo intenta siempre ofrecer una exagerada sugestión para atraer al público, le está permitida cualquier mistificación. Al público se le dirá que siempre tiene razón, que se cuenta con él, se le engatusará con baratijas sociológicas (encuestas, merchandising, propuestas de asociación o amistad con el lugar o institución del espectáculo) y nadie se escandalizará porque el secreto se sepa al final, el fin justifica los medios. La música contemporánea, en general, ofrecerá una pobrísima imagen si finge lo que no es. Puede resultar cansada de escuchar si se acumulan las novedades musicales en una misma sesión, y no está hecha para que se descubra a cada momento una obra con posibilidades de perennidad, ni siquiera la alta calidad está garantizada.

Pero, la música contemporánea puede decir en su presentación pública: “soy de aquí y ahora, mis motivaciones son las mismas que afectan a tu propia vida, puedo ser buena, regular o mala como cualquier persona que te encuentres por la calle y quien la hace puede hablar contigo ahora mismo para expresarte sus motivos y anhelos. Todo ello te dará una información de alta cualificación sobre lo mejor que puede ofrecer el tiempo que ahora mismo compartimos”. Esta simple verdad no es inexpresable, al contrario, se comprende muy bien. Lo que la música contemporánea no puede hacer es fingir lo que no es: una obra maestra, una operación de sugestión, un universo envolvente que haga olvidar a quien escucha las fatigas del día a día… Pero su contenido de verdad puede ser un valioso regalo, y si alguien no lo valora así, tampoco pasa nada, el mundo es muy grande. La música es solo música. Lo que no debe ser es la justificación de todo tipo de malentendidos relativos a su coste como actividad, a su adscripción al ámbito público o privado o a su inadaptación para competir con un espectáculo concebido para gustar.

Este despojamiento y las salidas que se derivan de un retorno a la humildad social y a la verdad artística se han vislumbrado en dos días intensos de debate en Bordeaux. Si además de vislumbrarlos, se realizan, se abrirán unas compuertas de realidad que nos hace mucha falta, ahora que la vida artística (y no hablemos de la social) acusa un plomizo y viscoso entorno.

A manera de conclusión

Se da el caso de que la creación musical lleva mucho tiempo gestándose sin ayudas que determinen y aseguren su nacimiento. Los compositores (con excepción de las grandes figuras en aquellos países que mantienen una política de apoyo a la creación) han terminado por asumir que su impulso más íntimo y personal no puede ni debe esperar a una posible financiación que, si llega, se convierte pronto en el “salario del miedo”. Esto es ahora una libertad y una oportunidad. La música contemporánea de riesgo tiene muchas riquezas, libertad y capacidad de diálogo, esto último le falta a la clásica por ausencia de sus protagonistas que, en general, han muerto. Si se asumen estos bienes con todas sus consecuencias, se puede articular una corriente de energías muy estimable; el auditor puede encontrarse con el creador y hablar con él, y viceversa. Con ello, el proceso de la creación de un público puede convertirse en un diálogo que las instituciones musicales han derivado hacia el estereotipo.

No se trata de hacer pedagogía, ya que está implícita en la posibilidad de diálogo, ni tampoco de paternalismo explicativo, se trata de mostrar con veracidad y a pecho descubierto las propuestas creativas. Se ha valorado en Bordeaux que los modelos de concierto habituales pueden ser otro freno hacia la comprensión de la nueva música; no es posible que el mismo molde con el que se ofrece repertorio clásico extraiga lo mejor de una propuestas de riesgo cuya carga de extrañeza se contrapone a su modernidad radical, al hecho de responder al mismo tiempo histórico que la acoge. Otro tanto se puede decir frente al modelo de festivales. Y como corolario, a todo el aparato financiero que le acompaña. Agnes Timmers, con su interesante festival Musiques Démesurées en Clermont Ferrand (http://www.musiquesdemesurees.net/3), mostró que una microfinanciación libera enormemente las propuestas de creación.

Se ha valorado, en fin, en Bordeaux que los costes de producción de las actividades de música contemporánea continúan siendo elevados (incluso no dejan de crecer), aunque los creadores no reciban ningún emolumento y, ¡oh, sorpresa!, los intérpretes apliquen cachés simbólicos, lo que sucede cada vez más. Entonces, ¿a dónde va el dinero por el que luego las instituciones braman? Viajes y estancia, cuando corresponde, alquileres de espacios, instrumentos y partituras, derechos de autor que, habiendo tomado nota de la cosa, se aplican sobre cualquier gasto de producción (incluidos todos los citados) si consideran que el ingreso de taquilla es simbólico o inexistente; publicidad, costes de personal de producción, etc.

En suma, una aberración que estrangula cualquier posibilidad de oxigenar la actividad de escuchar música, especialmente si los recursos comienzan a escasear. Y no olvidemos, cuando eso ocurre, que la culpa recaerá siempre sobre los artistas que con su desmedida exigencia de querer existir, aun sin cobrar, cargan con la responsabilidad de que la música contemporánea sea la ruina económica que todos conocemos. Una ruina que, por el caso que mejor conozco, el extinto CDMC, costaba cuarenta veces menos que el Teatro Real, diez veces menos que la Orquesta Nacional de España, etc., y que pese a ello, realizaba cuarenta y cinco conciertos anuales que distribuían sus controladísimos recursos entre hoteleros, compañías aéreas, empresas de instrumentos musicales, electrónicos o de iluminación, salas, representantes, impuestos, publicidad, administración, editoriales, entidades de gestión y otros ámbitos profesionales que no veo por qué deberían sentirse culpables de querer cobrar su trabajo, al contrario que los artistas que se conforman con la contemplación de la vida de un sonido y, lógicamente, sobrevivirán de otra cosa.

Y como esta situación, de por sí difícil de digerir, avanza casi hacia la imposibilidad por el conjunto de miedos, temores y prejuicios que se han abatido por la cultura europea, los músicos de hoy han descubierto que hay vida sin ser la justificación de que las instituciones paguen a otros porque ellos existan.

El conjunto de soluciones pergeñadas en Bordeaux oscila entre un acontecimiento artístico que recupere la esencia de su propio proyecto, con esa pobreza que constituye la garantía de su verdad artística y con la naturalidad de quien solo pretende mostrar los frutos del día para que los coja quien desee. Pero hay otra reflexión que afecta a la naturaleza del concepto de difusión, todo aquello que precise de medios indirectos para darse a conocer tiene hoy un aliado formidable a través de internet. No se trata de estar ahí sin más, se trata de recomponer en la red toda una serie de soportes que han sido devorados tanto por el advenimiento de ésta y por la ineptitud de empresas e instituciones que vivían en el reino de la facilidad: discografía, radio, etc. Incluso es posible hoy sustituir eventos cada vez más inadaptados a la protección de un hecho artístico auténtico: conciertos, temporadas, festivales… Además de todo esto, internet no tiene necesidad de ser defendido ni explicado por su gigantesca capacidad para ordenar y potenciar la comunicación, la documentación y la interrelación entre la gente, se da por supuesto.

La situación actual permite a la música contemporánea recuperar la iniciativa en el ámbito del desarrollo de actos artísticos. La escucha de la música histórica pierde capacidad de competir en el ámbito del espectáculo, eso se refleja parcialmente en la crisis de los conciertos clásicos; es curioso –se destacó– que en las ciudades europeas el público que asiste a conciertos clásicos no deja de envejecer, mientras que no sucede así, al contrario, en países emergentes (testimonios de Brasil, Chile o Corea, en cuya Universidad [Seúl] Roland Breitenfeld, marido de Ingrid asistente al Encuentro, es profesor de electroacústica). No es que los conciertos de música contemporánea puedan invertir esa tendencia, es que pueden proponer otros modos de escuchar música en público, y no necesariamente a través de la fusión con ámbitos visuales y escénicos, como pregonan los agoreros.

Si consideramos al público únicamente como aquel capaz de movilizarse una determinada tarde, adquirir su localidad y moverse por la siempre complicada cartografía urbana de una ciudad grande o mediana, abandonando vida familiar, comodidad, televisión, internet, etc., ese público nunca será significativo para una actividad difícil. Las razones por las que la gente se moviliza para participar en una determinada categoría de vida cultural, venciendo dificultades y complicaciones de movilidad, uso de su tiempo…, no pueden ser un factor de medida de la necesidad artística o histórica de la emergencia de la creación. No se trata de pensar de espaldas al público sino de definir cada rango de la vida actual en sus justas proporciones. La música contemporánea puede afrontar la batalla de un público adecuado si, sin obsesionarse, incluye la problemática de la audición en el origen de su actividad pública. No importa el número sino la veracidad del acto público.

El encuentro de Bordeaux estará disponible en la página web de la Asociación temp’óra (http://www.tempora-site.org/) con la transcripción de las intervenciones y debates. De momento, estas son mis propias conclusiones de urgencia que, en muchos momentos, responden a mis propias interpretaciones del espíritu de las intervenciones así como mis opiniones personales en respuesta a las numerosas incitaciones de los debates.

Doce Notas: Revista de música y danza. Todos los derechos reservados. ®2011
www.docenotas.com

Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto: ação e reflexão na prática orquestral

2011-02-23T11:45:00.000-03:00

ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA USP-RP

Aulas: quintas, das 19h às 22h e sábados, das 9h às 12h. Local: Sala de Concertos da Tulha/USP-RP.

Repertório para o I semestre de 2011: Sinfonia # 99 de Haydn.

Reinício das atividades dia 24/02/2011, quinta, às 19h, na Tulha (campus da USP)

"reconstruir los repertorios y reconvertirlos en algo vivo"

(Castilla, 2010)

Estudos recentes vêm abordando a formação orquestral como um palco de disputas sociais internas, presentes em qualquer instituição humana. Este olhar revela o que não se vê no concerto e, para muitos, macula a imagem santificada do pódio, dos músicos "vestidos como pinguins" e do maestro liberando sons maravilhosos com seus gestos eloquentes, sua batuta de toneladas e sua cabeleira contumaz.

Não fossem as implicações políticas deste ou daquele "figurão", tecnicamente uma orquestra poderia funcionar num sistema de rodízio entre a estante e o pódio, com seus instrumentistas revezando-se na arte de coordenar os ensaios e presidir a apresentação pública, já que ninguém melhor do que o próprio instrumentista para saber o que funciona em termos de gerenciamento, leitura, interpretação e performance.

Desde 2008, a Orquestra Universitária da USP de Ribeirão Preto vem tornando possível a alunos do mais novo departamento da FFCLRP, estudantes de música em geral e músicos amadores autogerirem a prática orquestral, participando da escolha do repertório, candidatando-se a solistas ou regentes e compondo obras sinfônicas. Aberta a todo e qualquer interessado, a OU recebe novos integrantes durante todo o ano letivo e seus monitores — bolsistas das pró-reitorias de Graduação e de Cultura e Extensão — asseguram o aperfeiçoamento e a reciclagem técnica de seus participantes, com ensaios de naipe e atendimentos individuais.

Se para cantar em coro, o repertório renascentista é fundamental para a educação vocal, numa orquestra, o classicismo vienense, de Mozart, Haydn e Beethoven, é que vai esculpir a sonoridade sinfônica, equilibrando sopros, cordas e percussão, e criando uma cultura musical diferente da banda sinfônica que tem outro perfil. Dessa maneira, a orientação da OU é realizar uma sinfonia vienense por semestre, além de programas mais "portáteis" com o naipe de cordas, que se aperfeiçoa através dos concertos barrocos de Vivaldi e Telemann, entre outros.

A OU tem participado ativamente da vida acadêmica, com apresentações em eventos do campus, entre eles a Semana da Composição, o Siicusp etc, sempre sob a regência de seus alunos, e contará este ano com a participação de professores solistas ou convidados para regê-la.

Toda partitura representa uma vivência que precisa ser reconstruída. Haydn reclamou certa vez de ter que compor para um mosteiro distante, de onde não conhecia nem o local nem os músicos. Acostumados, hoje em dia, à repetição de uma obra em diferentes contextos, podemos nos atrever a modificar ou adaptar uma partitura à nossa realidade. Na OU, devido à escassez de trompas na região, essas partes são realizadas por trombones na região aguda (tocados de maneira adequada) e pelo bombardino, um parente próximo. Os andamentos também se adequam ao nível técnico dos instrumentistas e é preferível, por exemplo, fazer o I movimento da 8ª de Beethoven um pouco mais lento, mantendo sua inteligibilidade e transparência, do que respeitar a primeira indicação metronôminca do autor e obter um resultado desastroso ou confuso.

Essa reconstrução do repertório tem como objetivo a democratização do cânone e a abolição do esnobismo que impede uma relação de vida e amor com o patrimônio musical clássico. Quando um aluno compõe uma obra para a OU, ele participa das aulas e conhece por dentro seu funcionamento, suas limitações e qualidades. Disso resulta uma adequação a seus quadros e uma participação ativa no produto final, devolvendo ao músico a possibilidade de valorizar todas as etapas do processo artesanal da produção musical.

Desde o século XVIII, a inserção da música na universidade enfrenta problemas com vaidades e disputas — obstáculos para uma prática verdadeiramente acadêmica que inclua a pesquisa, a docência e a extensão dos conhecimentos à comunidade — , e permanece muitas vezes como simples associação promotora de concertos em vez de atuar como celeiro de potenciais vocações que sejam preparadas para atuar no mundo profissional de forma esclarecida e consciente e participar futuramente de outras formações que visem a um alto nível técnico e artístico.

Music in Brazil: the Atlantic as a boundary

2010-12-22T08:36:00.002-02:00

Este artigo (p. 77) é fruto da comunicação em 2009, em Nancy, França, acrescido de um capítulo sobre os temas que surgiram no Colóquio de Lunéville.

Apresentação de fim de ano da Orquestra Universitária USP/RP: 02/12 (quinta), 20:30h, Tulha

2010-11-28T14:45:00.004-02:00

Programa:

Mozart — Abertura Don Giovanni

Mozart — Sinfonia #35 "Haffner"

Regências: Jamille Mesquita, Éber Bittencourt, Kleber Tertuliano e Rinaldo Caetano

ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA USP/RP (desde 2008):
Prof. responsável: Marcos Câmara de Castro

Clarinetes : Alexandre Borrego, André Salgado, Paula Elaine Sgobbi. Contrabaixos : Gabriel Roberto, João Svidzinki, Lincoln Mendes. Flautas : Flávia Prado, Henrique Tonzar, Leonardo Costa, Miriane Bittencourt, Paulo Victor Farias, Renata Salgado. Monitores: Dimas da Costa, Eduardo Costa, Fernando Chagas, Maycon de Moraes, Josiane Marques, Vitor dos Santos. Oboé: Josiane Marques (monitora de madeiras). Percussão: Kleber Tertuliano e Walison Lenon. Regência: Fernando Chagas, Jamille Mesquita (monitors de regência), João Svidzinki, Lincoln Mendes, Éber Bittencourt, Kleber Tertuliano, Rinaldo Caetano. Trombone: Vitor dos Santos (monitor de metais). Trompete : Rinaldo Caetano. Violas : Daniel Isaías, Fernando Chagas (monitor de arquivo). Violinos : Anderson de Oliveira, Bianca Baroni, Dimas Costa (monitor de cordas), Eduardo Felipe, Humberto Muniz, Janaína Rodrigues, Levi Roque, Lidiane Bittencourt, Marisa Lemos, Mariya Krastanova. Violoncelos : Arthur Almeida, Eber Bittencourt, Kelly Araújo, Ladson Mendes, Maurélio Peotta, Mônica Picaço.

Terças Musicais

2010-11-28T14:35:00.003-02:00

http://stoa.usp.br/marcos58/weblog/84866.html

Fotos do Coro de Câmara da UFG, dia 06/11/2010, Tulha

2010-11-07T16:44:00.002-02:00

CORO DE CÂMARA DA EMAC/UFG

2010-10-29T12:13:00.000-02:00

CORO DE CÂMARA DA EMAC/UFG
Dia 6 de novembro (sábado)
20:30h
Tulha
Entrada Franca

PROGRAMA

1ª Parte

. Pierre Passereau (1509-1547) - Il est bel et bon

. Johann Sebastian Bach (1685-1750) – Sinfonia e Coro da Cantata BWV 150

. Joseph Haydn (1732-1809) - Alles hat seine zeit

. Robert Lucas Pearsall (1795-1856) - Lay a garland

Regência: Vinícius Guimarães

. Zoltán kodály (1882-1987) - Túrót eszik a cigány

. Pablo Casals (1876-1973) - Nigra Sum

.Sea Chanty - Adaptação e Arranjo: Donald Moore - I’m bound away

. John Rutter (1945- ) - Praise ye the Lord (salmo 150)

Solista: André Campelo

. Edu Lobo(1943- ) e Capinam (1941- ) - Ponteio

Adaptação: Cláudio L. Ribeiro

2ª Parte

. Mario Castelnuevo Tedesco/ Garcia Lorca – Romancero Gitano: La Guitarra – Procession – Baile

Octeto Vocal: Sopranos: Daniele Nastri e Ângela Samara

Mezzo-sopranos: Wanessa Rodrigues e Joana Christina Azevêdo

Tenores: Danilo Duarte e Vinícius Guimarães

Barítonos: André Campelo e Giovane Melo

Violonista: Pedro Martelli

. Antonín Dvorák (1841-1904) -Te Deum

Solistas: Daniele Nastri e André Campelo

Pianista: Thiago Cazarim

Regente: Joana Christina Azevêdo

CORO DE CÂMARA: Sopranos: Ângela Samara, Carmel Rizzotto, Daniele Nastri, Laina Oliveira, Mellissa Saboia, Natália Bueno, Contraltos: Érick de Castro, Germano Henrique Lopes, Michelle Karen Lima, Natally Brum, Wanessa Rodrigues. Tenores: André Luiz Gomes, Aníbal Araújo, Danilo Duarte, Davi Sabbag, Márcio Lisboa, Vinícius Guimarães. Baixos: André Campelo, Brytner Evangelista, Giovane Melo, Gustavo Freccia, Jadson Álvares, Jânio Matias, Wdemberg Pereira.

Coro de Câmara da UFG

O Coro de Câmara da Escola de Música e Artes Cênicas da UFG funciona como uma disciplina para os alunos dos cursos de Canto, Composição, Regência-Coral e Educação Musical, que possuem em sua grade curricular a obrigatoriedade de se integrar em um dos conjuntos musicais oferecidos pela Escola. Tem como objetivo trabalhar um repertório de alto nível de execução, para que os alunos possam desenvolver sua capacidade técnica e musical. Também é utilizado como laboratório para os alunos de Regência Coral da EMAC/UFG. Através do incentivo da PROEC – Pró – Reitoria de Extensão e Cultura da UFG, o Coro de Câmara conta hoje com algumas bolsas, permitindo assim que alguns alunos sejam contemplados, sendo extensivo também a ex-alunos da EMAC/UFG que desejam continuar cantando no Coro. Sob a regência da maestrina Joana Christina Azevedo, o Coro de Câmara tem realizado inúmeros recitais em Goiânia e cidades como Pirenópolis, Cidade de Goiás, Anápolis e Jataí. Participou da gravação do CD Lento Acalanto do compositor Estércio Marquez Cunha, em 1999 e gravou o CD Missa para Coro e Piano de Juliano Lima Lucas (ex-aluno de graduação em Composição da EMAC/UFG e atualmente mestrando na mesma instituição), gravado em janeiro de 2009.

Pirataria não é crime, é política...

2010-09-21T08:25:00.000-03:00

Matéria na Gazeta de RP: cancioneiro coral brasileiro e professor visitante

2010-08-08T15:48:00.004-03:00

Vitor dos Santos é bolsista do programa "Aprender com Cultura e Extensão, da Pró-Reitoria de Cultura e Extensão da USP

I Simpósio Internacional de Pedagogia da História da Música, USP-RP

2010-07-30T20:10:00.002-03:00

I Simpósio Internacional de Pedagogia da História da Música
Comissão Organizadora:
Prof. Dr. Diósnio Machado Neto (Coordenador do I SIPHM)
Profª Drª Sílvia Berg (Supervisora do CMU-RP)
Prof. Leonardo Soares Tramontina (Programa de Pós-Graduação do CMU-ECA/USP)
Comissão Científica
Prof. Dr. Diósnio Machado Neto (USP)
Prof. Dr. Maria Alice Volpe (UFRJ)
Profª Drª Mônica Isabel Lucas (USP – CMU/SP)
Profª Drª Lenita Nogueira (UNICAMP)
De 4 a 7 de agosto de 2010

CURSO DE REGÊNCIA E CANTO CORAL - PROF. DR. MIGUEL ÁNGEL FELIPE (Ohio/EUA)

2010-07-12T17:54:00.004-03:00

Primeira aula

Masterclasse de regência na Cia. Minaz

Aula na Tulha

Concerto na Capela da USP-RP

Profa. Dra. Silvia Berg, Prof. Dr. Miguel Felipe, Natalia e Marcela

Aluna de regência Jamille Mesquita

Concerto no Teatro Minaz

Entrega dos presentes

Entrega dos presentes-02

Entrega dos presentes -03

Prof. Dr. Marcos Câmara, Prof. Dr. Miguel Felipe e Maestrina Gisele Ganade

Jamille

Quadro branco da Tulha

Beethoven op. 93

2010-07-03T21:02:00.000-03:00

Regências de Reginaldo Nascimento (I, II), Jairo da Rocha (III) e Fernando Chagas (IV)
Prof. responsável: Marcos Câmara de Castro
http://www.youtube.com/watch?v=y8rLHXik7e8
http://www.youtube.com/watch?v=L8Y_TPTXSic
http://www.youtube.com/watch?v=BTVUq0c1yQk
http://www.youtube.com/watch?v=mfVrhBOeekQ
http://www.youtube.com/watch?v=6ELqRUhRrXg
http://www.youtube.com/watch?v=rfo0Z9WPxXo

Sobre o projeto Orquestra Universitária

2010-07-03T20:38:00.000-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=KDFib1XXSxY
http://www.youtube.com/watch?v=PJmNK9HmCrk
http://www.youtube.com/watch?v=W-QLVsm4Lhg
http://www.youtube.com/watch?v=svPEZZZA7r4

Programas das Terças Musicais dos dias 22 e 29 de junho de 2010, Tulha/USP-RP, 13h

2010-06-16T14:22:00.004-03:00

Classes de Introdução à Regência Coral, Regência Coral, Canto Coral e Orquestra Universitária

Professor responsável: Dr. Marcos Câmara de Castro

(assista aos vídeos no fim da página)

DIA 22: CLASSES DE REGÊNCIA E CORAL E ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA (CORDAS)

Andrade/Faleiros - Eu só quero um xodó (regência de Tiago Brasil)

Fauré - Tantum Ergo (regência de Eric Cruz; piano: Tiago Lincoln)

Copland — Sing Ye praises to Our God ("Four motets IV")

Barber — Let down the bars, o death

Mahle — Sereia do mar

Bernstein — "Choral selection from West side Story"Tonight; One hand, one heart; America (piano: Gildo Legure)

Telemann — Concerto para viola e cordas e contínuo

solista: Fernando Chagas

regência: Lincoln Mendes

Vivaldi — Concerto op. 3, n. 8 (L'estro armonico), para dois violinos, cordas e contínuo

solistas: Bianca Baroni e Dimas Costa

regência: Jamille Mesquita

DIA 29: ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA (COMPLETA)

Beethoven — Sinfonia n. 8, op. 93 em Fá Maior

regências: Reginaldo Nascimento, Jairo Rocha e Fernando Chagas

ORQUESTRA UNIVERSITÁRIA USP/RP (desde 2008):

Clarinetes : Alexandre Borrego, André Salgado, Paula Elaine Sgobbi. Contrabaixos : Gabriel Roberto, João Svidzinki, Lincoln Mendes. Fagote : Felipe Henrique de Toledo. Flautas : Flávia Prado, Henrique Tonzar, Leonardo Costa, Paulo Victor Farias, Renata Salgado. Monitores: Dimas da Costa, Eduardo Costa, Fernando Chagas, Maycon de Moraes. Oboés : José Stefanelli, Josiane Marques. Percussão: Jessica Ornaghi. Regência: Fernando Chagas, Jamille Mesquita, João Svidzinki, Lincoln Mendes, Reginaldo Nascimento. Trombone: Vitor dos Santos. Trompa : Carlos Portela. Trompetes : Anselmo Santos, Diego Wilxenski, Gustavo Fraga, Jairo Rocha, Natanael da Silva. Violas : Daniel Isaías, Fernando Chagas, Michelle Picaço. Violinos : Anderson de Oliveira, Antonio Barbosa, Bianca Baroni, Dilbert Rosário, Dimas Costa, Gabriela Ramos, Humberto Muniz, Janaína Rodrigues, Keila dos Santos, Levi Roque, Lívia Andreoni, Marisa Lemos, Mariya Krastanova, Pierre Pacheco, Reginaldo Nascimento, Rubem Guerra, Thaís Silva, Vitor Ferreira. Violoncelos : Denise de Souza, Kelly Araújo, Ladson Mendes, Marcelo Camargo, Maurélio Peotta, Mônica Picaço

II Encontro de Jovens Pesquisadores Departamento de Música de Ribeirão Preto ECA/RP – USP

2010-06-05T07:58:00.001-03:00

Pesquisa e ensino são partes integrantes e fundamentais da cadeia produtiva a que se propõe a Universidade de São Paulo. O II Encontro de Jovens Pesquisadores do Departamento de Música de Ribeirão Preto tem como finalidade o incentivo à pesquisa desde os primeiros anos da graduação, promovendo o encontro de jovens pesquisadores com professores de denotada capacidade científica.

O objetivo desse encontro é apresentar e divulgar as pesquisas que vêm sendo desenvolvidas nos departamentos de Música da USP, incentivando o diálogo com departamentos de outras faculdades, e incentivar a inserção do discente de graduação nas atividades científicas relacionadas ao universo da pesquisa nas áreas musicais.

O II Encontro de Jovens Pesquisadores do Departamento de Música de Ribeirão Preto ocorrerá nos dias 10 e 11 de Junho de 2010, com seções de comunicações preferencialmente destinadas à apresentação de trabalhos de jovens pesquisadores inseridos nos programas “Ensinar com Pesquisa” e “Aprender com Cultura e Extensão”; ou graduando que estejam desenvolvendo trabalhos de investigação acadêmica dentro das áreas oferecidas nos departamentos de Música de Ribeirão Preto e São Paulo (áreas teóricas e práticas interpretativas). Abrir-se-á, também, espaço para a apresentação de comunicações de alunos do mestrado de ambos os departamentos, assim como trabalhos realizados por outros departamentos de música de instituições de ensino superior, em um total de 6 vagas.

Trabalhos selecionados:

A apresentação dos textos selecionados ocorrerá nos dias 10 e 11 de Junho de 2010. O tempo máximo de cada apresentação não poderá exceder a 15 minutos.

Comissão Científica: Profª Drª Silvia Berg, Prof. Dr. Marcos Câmara de Castro, Profª Drª Heloisa Duarte Valente, Prof. Dr. Diósnio Machado Neto

LANÇAMENTO OFICIAL DOS ANAIS DOS ENCONTROS DE MUSICOLOGIA DE RIBEIRÃO PRETO

2010-05-25T08:16:00.003-03:00

Lançamento dos Anais dos Encontros de Musicologia de Ribeirão Preto

dia 31 de maio de 2010, segunda-feira, as 20h
Livraria Paraler no Ribeirão Shopping

Depto. de Música de Ribeirão Preto da ECA-USP
(16) 3602-3136

Fotos de Ana Carla Vannucchi

OFICINA DE COMPOSIÇÃO

2010-05-18T21:38:00.001-03:00

OFICINA DE COMPOSIÇÃO

Ofício de compositor - Profº Marcos Câmara
DATA: 19/05/2010, quarta-feira
HORÁRIO: 18h30
LOCAL: SALA 1 - Departamento de Música ECA-RP

Na sequência das atividades da Oficina de Composição, o professor Marcos Câmara irá ministrar uma palestra a respeito de sua produção Composicional. Ao longo do ano, os professores da área de composição musical, mensalmente apresentarão uma palestra relacionada a essa área.

I Colóquio Interdisciplinar da Música, USP/RP

2010-05-07T22:25:00.000-03:00

Com os professores Simone Cabrera, Marcelo Petraglia e Cláudia Zanini

Ana Carla Vannucchi - exposição itinerante (SESI)

2010-04-30T08:53:00.000-03:00

SESI VILA LEOPOLDINA APRESENTA A MOSTRA COR AMBULANTE

De 2 a 14 de maio, o público do Centro Cultural poderá conferir mostra gratuita sobre as cores captadas nas metrópoles.
A mostra Cor Ambulante é composta por 16 fotos coloridas que retratam lugares diferentes, velocidades variadas e sensações únicas. A exposição, que ficará em cartaz de 2 a 14 de maio, estará aberta à visitação pública gratuita de segunda-feira a sábado.
O trabalho da fotógrafa Carla Vannucchi destaca a cor, que fascina e invade a mente a cada olhar depositado sobre gestos, espaços e horas.
De acordo com ela, este elemento, que enriquece o trabalho fotográfico, é onipresente, mas toma-se de intenções e intensidades distintas. "Já não é o mesmo amarelo no copo ou na parede. O vermelho se repete, mas ao mesmo tempo é outro", comenta.
Ainda segundo ela da Vila Madalena até Barcelona, de Ribeirão Preto de volta a São Paulo a cor comunga com as cenas, domina e se mistura. "A cor-ambulante é a dona do percurso do olhar e das vontades de quem a registra. Como uma paleta que se move e determina, com sua presença explosiva, a suavidade na fotografia", conclui.

Sobre a fotógrafa
Filha de fotógrafo e empresário do ramo, Carla Vannucchi destruiu sua primeira máquina - por excesso de uso - antes dos nove anos de idade.
Quando ganhou a primeira câmera profissional, teve também a primeira aula, ministrada por meu pai, que a alertava sobre o segredo da fotografia: a relação entre luz e velocidade. Aos poucos, ela descobriu o que cada número ou símbolo na máquina significavam e gastou vários rolos de filme.
Estudou, estagiou e trabalhou com profissionais do Brasil e do exterior. Já publicou e expôs seu trabalho e fotografou de tudo, desde órgãos em necropsias até docinhos de casamentos.
Radicada em Ribeirão Preto (SP), estuda História e fotografa o que gosta. Aprendeu que a fotografia é a arte de não apertar o botão, já que alguns momentos ou imagens merecem ficar apenas na memória.

SERVIÇO:
Exposição Fotográfica Cor Ambulante
Local: SESI Vila Leopoldina - Rua Carlos Weber, 832 - Vila Leopoldina.
Datas e horários: de 2 a 14 de maio de 2010 - de segunda-feira a sexta-feira, das 7h às 20h; e sábado, das 10h às 17h.
Informações: (11) 3832-1066
Entrada: franca

Fotos do dia 16/4 no saguão do HC, por Helo Faria

2010-04-21T10:47:00.003-03:00

XII Semana da Voz/2010, Departamento de Música USP-RP

2010-04-13T19:07:00.003-03:00

Assista aqui à canção America (West side story, de Bernstein)

Múnus: músico, orquestra de violões (também viola caipira)

2010-03-04T10:11:00.006-03:00

O compositor e violonista Eduardo Costa Martins ministra aulas, sob minha orientação, de violão coletivo para a comunidade do campus da USP de Ribeirão Preto e da região, dentro do Programa Aprender com Cultura e Extensão, da Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária. Para iniciantes e iniciados.

As cinco sabedorias. Quarteto Stanislas, Sala Poirel, Nancy, 2009

2010-02-27T20:36:00.004-03:00

Laurent Causse, Bertrand Menut, Marie Triplet e Jean de Spengler

Gravação editada (ouça aqui)

No Brasil, estamos acostumados a receber sempre com grande aplauso as formações europeias de música clássica. Mais afeitos ao verso de Rimbaud (Iluminations), "la musique savante manque à notre désir", ainda não realizamos aquilo que os EUA e a Austrália já fizeram, e tão bem ilustrado por R. W. Emerson (History, Essays, First Series):

A Gothic cathedral affirms that it was done by us and not done by us. Surely it was by man, but we find it not in our man. But we apply ourselves to the history of its production. We put ourselves into the place and state of the builder. We remember the forest-dwellers, the first temples, the adherence to the first type, and the decoration of it as the wealth of the nation increased; the value which is given to wood by carving led to the carving over the whole mountain of stone of a cathedral. When we have gone through this process, and added thereto the Catholic Church, its cross, its music, its processions, its Saints' days and imageworship, we have as it were been the man that made the minster; we have seen how it could and must be. We have the sufficient reason.

Minha experiência com o Ensemble Stanislas começou em 2007, quando eu era curador associado de música do Centro Cultural São Paulo. Tivemos a felicidade de assisti-los tocando um repertório que revelava autores menos difundidos (não por isso menos importantes) e abordagens diferenciadas de obras já consagradas. Foi o caso dos quartetos de Ravel e Ropartz.

Ao tomarmos um café, depois do concerto, ficou combinado que eu lhes enviaria um quarteto meu para ser estreado no Ano da França no Brasil, na turnê brasileira de 2009, e no evento "Le Brésil à Nancy", comemorativo dos 25 anos do grupo. Coloquei em marcha uma ideia que há muito tempo me intrigava a respeito das subdivisões do tactus — pulsação primordial de uma determinada composição. Teoricamente haveria uma subdivisão quinária da unidade. E foi o que fiz. As cinco sabedorias foram escritas quase inteiramente num compasso quinário em que a tentação de subdividi-lo em 3+2 ou 2+3 é sempre frequente, mesmo até entre músicos profissionais.

O Stanislas aceitou o desafio e realizou, com a esperada competência, um mergulho na composição que honra e alegra qualquer compositor, a ponto de eu não sentir a menor necessidade de fazer qualquer comentário. Apenas deliciei-me assistindo-os na turnê brasileira e depois em Nancy, na belíssima Sala Poirel.

Visite o sítio deles

Orquestra Universitária na Gazeta de Ribeirão

2010-02-21T10:04:00.000-03:00

Publicada em 21/2/2010

Dimas Carte: monitor da OU

Gente

SOM PARA TODOS

Música Democrática
Orquestra Universitária da USP Ribeirão busca alunos e melhora na técnica com ampliação do projeto em 2010

RENATO VITAL

Gazeta de Ribeirão

renato.pinho@gazetaderibeirao.com.br

Em busca de novos músicos e de aperfeiçoamento da técnica de cada instrumento, o Departamento de Música da USP de Ribeirão Preto abre espaço na Orquestra Universitária para quem quer aprender música. Quando a Orquestra começou, em 2008, o grupo era formado somente por cordas, mas a partir de 2010 ela se torna sinfônica. Quem estiver interessado em ingressar no projeto pode aparecer nas aulas gratuitas que acontecem no Departamento, localizado no campus da Usp, às quintas-feiras das 19h às 21h e aos sábados das 9h às 12h. Na última quinta aconteceu a primeira reunião do ano.

O coordenador do projeto, Marcos Câmara de Castro, explica que a Orquestra surgiu de uma necessidade do curso de música, mas que a idéia é descobrir novos artistas da comunidade de Ribeirão. "A intenção não é ser uma orquestra profissional, e sim pedagógica. Levar os músicos da comunidade e do campus para se apresentar e trocar experiências", disse. Segundo Câmara, a Orquestra Universitária já tem acordo com o Centro Cultural Campos Elíseos, que também oferece aulas de música de graça, para encaminhar os alunos que terminam o curso no Centro para a Orquestra.

Para o aluno do terceiro ano do curso de licenciatura de música da USP e monitor da Orquestra, Dimas Carte, 29 anos, a sensação de ver o grupo aprendendo e tocando junto é ímpar. "Ver no rosto do aluno que ele tem prazer em fazer música, em estar ali fazendo parte da Orquestra, é o nosso objetivo", disse. Carte conta que os novatos também têm a oportunidade de terem aulas mais privadas para serem "alfabetizados" musicalmente.

A Orquestra Universitária pode também ser uma chance para alguém voltar aos estudos. "Temos um participante, de 42 anos, que é fonoaudiólogo e voltou a estudar música porque se empolgou com o projeto", disse Carte. Segundo o coordenador da Orquestra, muitos alunos do campus se aproximam da música enquanto não começam a trabalhar nas suas áreas. "Temos aqui alunos de administração, da medicina, pessoas que sabem tocar muito bem, pessoas que estão aprendendo. É uma orquestra bem diversificada", contou Câmara.

Jovens têm mais contato com música

Não são somente os universitários que podem ter aulas gratuitamente em Ribeirão Preto. As crianças e jovens de 6 a 17 anos que gostariam de aprender a tocar algum instrumento podem procurar o Projeto Guri. Com a intenção de colocar mais jovens em contato com a cultura, o Guri oferece aulas de instrumentos mais populares, como violão, bateria e contra-baixo e dos clássicos, como violino, flauta transversal entre outros. Segundo a administradora regional do projeto, Aline Feltrin, esse ano o Guri deve mudar de sede para poder oferecer mais vagas. "Muitos reclamam da falta de vagas, mas geralmente o projeto recebe muitos elogios. As crianças já se apresentaram no Teatro Municipal e no Pedro 2", disse. Aline conta que há ex-alunos do Guri que hoje são educadores do projeto. Os internos da Fundação Casa também são atendidos pelo Projeto Guri. "Damos aulas dentro da instituição. Os alunos gostam muito, eles não têm acesso à cultura. Já fizeram até algumas apresentações", contou Aline. (RV)

O rei menos o reino I, IV, V, VI, para barítono e piano/for baryton and piano

2010-02-20T20:51:00.003-02:00

Poemas de/Poems by Augusto de Campos

Fernando Carvalhaes (voz/voice) e/and o compositor/the composer (piano)

Rio de Janeiro, 1987, Sala/Theater Cecília Meireles

Revista Música Hodie. Resenha/Review: "Villa-Lobos à Paris"

2010-02-20T19:34:00.003-02:00

Revista Música Hodie (UFG), vol 9 n.1, pp. 147-155, ISSN 1676-3939

Leia o resumo (texto completo em breve)/Read the abstract (complete article soon)

Revista Opus (ANPPOM)

2010-02-15T11:07:00.002-02:00

Clique aqui para ler a resenha do livro Os estilhaços da orquestra de Bernard Lehmann

Anais dos Encontros de Musicologia da USP de Ribeirão Preto (2009)

2010-02-06T08:41:00.003-02:00

Informações: (16) 36023169

Artigo na Revista Concerto janeiro/fevereiro de 2010

2010-02-06T08:32:00.000-02:00

Fructuoso Vianna, orquestrador do piano, Rio de Janeiro, ABM Editorial, 2003

2010-02-06T08:24:00.003-02:00

Clique aqui para comprar o livro

Exposé à Nancy, le 28 septembre 2009, Salle Poirel (audio en français)

2010-02-05T07:35:00.005-02:00

Consciência Negra: Palestra na Câmara Municipal de Ribeirão Preto (áudio)

2010-02-05T07:33:00.005-02:00

Música clássica no Brasil: fenômeno de transplantação

2010-02-05T07:30:00.001-02:00

Revista eletrônica história e-história (NEE/UNICAMP)

Otro poema de los dones, para coro, metais e tímpanos

2010-02-02T08:31:00.004-02:00

Clique aqui para ouvir a música

Borges nasceu em 1899 e morreu em 1986. Coincidentemente, a estreia desta música deu-se no ano de sua morte e foi repetida no evento Borges 100, em 1999, no IEB/USP, com o Coral Paulistano & Músicos da OSM: Paul Mitchel e Eduardo Madureira (trompetes), Roney Stella e Hugo Ksenhuk (trombones), Carlos Tarcha (tímpanos). Regente: Samuel Kerr. Por ocasião da abertura da exposição de Alejandro Vaccaro de primeiras edições do autor argentino. Como nota de programa, fiz uma compilação, não exaustiva, das citações sobre música na obra de Borges (aqui vão sem as referências bibliográficas):

• Por la música, misteriosa forma del tiempo

• Declives de la música, la más dócil de las formas del tiempo

• Caja de música
Música del Japón. Avaramente
De la clepsidra se desprenden gotas
De lenta miel o de invisible oro
Que en en tiempo repiten una trama
Eterna y frágil, misteriosa y clara.
Temo que cada una sea la última.
Son un ayer que vuelve. ¿De qué templo,
De qué jardín en la montaña,
De qué vigílias ante a un mar que ignoro,
De qué pudor de la melancolía,
De qué perdida y rescatada tarde,
Llegan a mí, su porvenir remoto?
No lo sabré. No importa. En esa música
Yo soy. Yo quiero ser. Yo me desangro.

• A Johannes Brahms
Yo que soy un intruso en los jardines
Que has prodigado a la plural memoria
Del porvenir, quise cantar la gloria
Que hacia el azul erigen tus violines.
He desistido ahora. Para honrarte
No basta esa miseria que la gente
Suele apodar con vacuidad el arte.
Quien te honrare ha de ser claro y valiente.
Soy un cobarde. Soy un triste. Nada
Podrá justificar esta osadía
De cantar la magnífica alegría
- Fuego y cristal - de tu alma enamorada,
Mi servidumbre es la palabra impura,
Vástago de un concepto y de un sonido;
Ni símbolo, ni espejo, ni gemido,
Tuyo es el río que huye y que perdura.

• si una mujer desdeña mi amor
haré de mi tristeza una música,
un alto río que siga resonando en el tiempo

• El espejo ilusorio de la música

• Convertir el ultraje de los años
En una música, un rumor y un símbolo

• Deseo y posesión y el don del verso,
Que transforma las penas verdaderas
En una música, un rumor y un símbolo

• Una cosa invisible está pereciendo del mundo
un amor no más ancho que una música

• Pero hay ternuras que por ninguna muerte son menos:
las íntimas, indescifrables noticias que nos cuenta la música

• Cuando la sombra no entorpece los pasos
y la venida de la noche se advierte
como una música esperada y antigua
• Compartir el ahora
como se comparte la música
o el sabor de una fruta

• El que agradece que en la tierra haya música (...)
Esas personas, que se ignoran, están salvando el mundo.

• Callan las cuerdas
La música sabía
lo que yo siento

• Ha soñado la música, que puede prescindir del espacio

• La sal, el agua y la música pueden purificarnos

• Como dijo Schopenhauer, la música no es algo que se agrega al mundo; la música ya es un mundo

• O que un músico siente que el extraño mundo de los sonidos – el mundo más extraño del arte – está siempre buscándolo, que hay melodias y disonancias que lo buscan

• El arte de la palabra, aún más inexplicable que el de la música, porque incluye la música

• (...) Como la música, las matemáticas pueden prescindir del universo, cuyo ámbito compreende (...) y cuyas ocultas leyes explóran (...)

Os lugares e as cores do tempo, para violão/for solo guitar, por/by Flávio Apro

2010-01-31T17:09:00.003-02:00

Ouça a música/Listen to the music